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Bonjour à toi ! Aujourd’hui, abordons ensemble LE sujet qui va te plaire en confinement : challenge, et exigence vont être au rendez-vous… et fierté à la fin !

Les mains : un sujet complexe ?

Les mains sont un sujet complexe, en soi. Il s’agit de modèle vivant, et qui dit « vivant », dit « mouvant » !

La première complexité du modèle vivant est donc de rester immobile, lorsqu’on se choisit comme son propre sujet. Si tu as la chance d’avoir une famille autour de toi, profites-en pour les mettre à contribution en tant que modèles, cela peut devenir très rigolo !

La seconde complexité provient du fait que nous nous voyons souvent comme « plats ». Le corps humain est en effet, le plus souvent, plus large qu’épais. Le visage et les mains tout particulièrement, nous donnent une impression de « platitude », par rapport à des objets observés dans notre quotidien, souvent cylindriques : lampes, casseroles, pots, … et ce d’autant plus que nous sommes habitués à nous voir de face. Je ne veux pas dire que nous ne voyons que très peu de profils ! J’attire simplement ton attention sur le fait que lorsque nous observons attentivement un visage, c’est lorsque nous dialoguons avec une personne, que nous voyons alors… de face !

Enfin, la dernière complexité serait de vouloir amplifier ce à quoi nous faisons le plus attention. Le cerveau nous piège, en modèle vivant, en nous focalisant sur des parties du corps en particulier, tout en mettant en arrière-plan les autres parties, secondaires pour notre analyse d’une situation à un moment donné. La priorité est donc de rester objectif sur ce que l’on voit, donc de tout prendre en compte, même ce que nous observons de manière secondaire.

Se servir du secondaire pour poser l’architecture.

Dans un visage par exemple, nous observons que très peu la forme du visage. Nous nous focalisons habituellement sur les yeux, la bouche… et les mains de la personne. Or, la forme du visage est primordiale pour nous, dessinateurs.trices, pour poser son architecture ! Nous devons commencer par là !

Dans le cas des mains, nous observons plus les doigts que la paume. Or, nous devons prendre en compte impérativement le fait que les doigts sont, structurellement parlant, totalement dépendants de notre paume ! Sans elle, nos doigts n’auraient aucune cohérence, car non « rattachés » entre eux.

Quelques canons de la main à mémoriser

Regarde bien : les mains accueillent en elles des muscles, des os, des tendons, des articulations… Il faut leur donner de la place !

Voici quelques canons à prendre en compte :

• l’intérieur de la paume forme un « carré »
• l’extérieur de la paume forme aussi ce « carré », si l’on prend en compte les « bosses » de la base des doigts.
  Elle devient rectangulaire – moins longue que large – si l’on souhaite lui séparer les « bosses » des doigts
• le poignet a la même largeur que la largeur formée par les doigts rassemblés (en tout cas chez moi)

• les doigts forment un triangle en se rassemblant
• les extrémités des doigts sont plus fines que leur base
• les doigts sont cylindriques : plus ou moins charnus, musclés, fins, petits…
• un doigt ne peut pas se plier à plus que 90°
• le majeur est un petit peu plus long que la paume
• l’annulaire et l’index font environ la même longueur, le majeur est plus grand, et l’auriculaire plus petit (il ne dépasse pas la deuxième phalange de l’annulaire)
• les phalanges sont de plus en plus petites d’un tiers, environ

Comment s’approprier les canons artistiques généraux ?

Observe autour de toi : nous avons chacuns.es des mains différentes. On l’a dit plus haut : certaines seront plus fortes, enrobées, musclées, fines, velues, charnues, cornées, ridées, tordues, délicates…

Alors, comment t’approprier les canons vus plus haut ? Je te montre en vidéo :

Aparté à propos du pouce à dessiner

Que faire du pouce, petite « pièce rapportée » qui se détache nettement de la main, qui, on le voit, semble avoir ses propres proportions, et courbures ?

Le mieux est de le prendre en compte dès le départ. L’oublier serait une erreur : il aurait encore plus tendance à se détacher du reste de la main, alors que nous nous efforçons de définir une harmonie à notre main entière.

• Dans le cas du poing, il ne se voit quasiment pas, mais il est nécessaire. Sans lui, l’index ne s’enroule pas. Il nous faut donc dessiner sa « bosse ».

• Dans le cas de la main au repos, voici quelques astuces :
  – lorsque tu dessines ta paume, prends-le en compte dès le départ. Sur le côté du pouce, la courbure de la paume va être légèrement plus inclinée.
  – La base du pouce est large : Vois-tu comme elle débute au bas de la paume, et se termine environ à la moitié de la longueur de cette dernière ? Dit autrement, cela te permettra ainsi de placer le pli caractéristique entre le pouce et la main à environ la moitié de la longueur de la paume !
  – le pouce en lui-même forme une sorte de « S ». Observe bien : une bosse apparaît sur le côté : c’est elle qui va te permettre de le faire se distinguer du reste de la main. Ensuite, il semble vouloir partir au plus vite du reste de la main, il point souvent vers l’extérieur. Cela se traduit en dessin par une forme de « S ».
  – si tu as un pouce canonique, sa longueur ne dépassera pas la première phalange de ton index. A toi de placer ton pouce contre ta paume – position non naturelle au possible – pour déterminer sa longueur propre.

Si tu souhaites (re)prendre tes crayons, je t’offre une formation de 5 cours vidéos, sur 10 jours. Pour cela, remplis le formulaire ci-dessous !

Conclusion

Te voici, pour aujourd’hui déjà bien outillé.e pour dessiner tes mains ! Pour finir, un mot d’ordre doit te rester en tête : observe-les avec le regard le plus objectif possible !

Ne te dis-tu plus : « elles sont trop… » mais « je les aime pour leur… » Cela va rééquilibrer la balance de ton jugement, et t’évitera d’amplifier des complexes qui ne sont peut-être que, finalement, de petits détails ?

Enfin, je m’arrête là pour aujourd’hui, mais si tu souhaites ajouter des ombres à tes mains, n’hésites pas à leur donner du contraste ! De vrais noirs, intenses, vaudront mieux que des gris clairs. Tes mains auront un volume insoupçonné ! Est-ce que cela t’intéresse que je réalise une vidéo sur le sujet des ombres en particulier ? Dis-le moi en commentaire !

Bonjour à toi !

Aujourd’hui, je décide, après mûre réflexion, de publier cet article, dont le sujet a été décidé avant le confinement. J’assume mon sujet, la fleur de magnolia, même avec des mesures d’une telle ampleur. En effet, j’ai trois raisons à cela :

• Tout d’abord, cet article va te permettre de connaître et expérimenter l’encre de jus de betterave. Un bond en autonomie, si tu n’as pas grand-chose pour dessiner chez toi, et que tu aimerais te mettre dans une bulle de sérénité.
• Ensuite, cet article ne parle pas que de jus de betterave : il parle aussi de dessin en soi. Dessine, si cela te fait du bien, peu importe le sujet !… Et si tu n’as pas de betteraves, ton crayon de papier ou même un stylo-bille suffisent.
• Enfin, en cette période, quoi de mieux que de se relier à la Nature, par tous les moyens ?

Voici donc mes quelques conseils :

Le magnolia, une fleur parmi les plus simples !

Le magnolia a de grandes fleurs. Si grandes, que l’on voit parfaitement leurs contours. De plus, elle n’a que 5 pétales. C’est peu, par rapport à certaines consoeurs ! Il y a donc en cette fleur que très peu de superpositions de pétales, si nous la dessinons grande ouverte.

Si tu as la chance ultime d’avoir un magnolia dans ton jardin, observe, ou cueille, des fleurs aux différents stades d’ouverture. Cela te permettra de comprendre encore mieux comment cette plante grandit, donc son architecture.

Comment dessiner une fleur ?

Je dis toujours à mes élèves qu’il faut « respecter le sens de croissance de la plante ». Cela veut dire que nous allons la dessiner selon l’ordre chronologique des éléments qui la composent.

Si tu vois sa tige, commence par là. Puis continue par l’articulation tige-feuille, et enfin ajoute les pétales.

Dans mon cas, je commence par le cœur de la fleur principale et la silhouette globale de ses pétales, forme très générale, parce que la fleur elle-même cache la jonction tige-fleur.
J’ajoute ensuite le bocal dans lequel j’ai placé mon bouquet, qui me donne un repère supplémentaire, avant de finir par tous les pétales de mes différentes fleurs.
Enfin, je dessinerai les tiges directement à l’aquarelle.

En effet, en dessin, il est plus simple de « subdiviser » que de multiplier. Autrement dit, on préfère placer à l’intérieur d’une forme, ou d’une surface, que d’ajouter et risquer alors de déborder de la surface / silhouette / forme voulue.

Ta fleur est dessinée ! Maintenant voici la question fatidique : as-tu des betteraves chez toi ?

• Si non, ce n’est pas grave, tu as la vidéo-support pour comprendre ce que je viens de t’expliquer « de visu ». Ajoutes les ombres au crayon, en nuances de blanc !
• Si oui, continue de me lire, tu vas avoir plein d’astuces.

Voici tout d’abord le formulaire pour que je t’envoie par email mes recettes d’encres naturelles… dont celle de betterave, bien sûr 😋

Dans un second temps, bon visionnage !

Comment utiliser le jus de betterave ?

Avant toute chose, gomme un petit peu tes traits de crayons, que tes contours ne se voient pas au travers de l’encre. Ce sera plus joli…

Ensuite, utilise le jus de betterave pur, directement. En effet, il donne ainsi une jolie couleur rose, plutôt claire, et qui m’a surprise au début. On peut la diluer dans de l’eau, bien sûr, comme tu l’as vu dans la vidéo ci-dessous, pour obtenir des roses clairs à outrance.

En revanche, pour intensifier la couleur rose clair de ce jus, il te faut vraiment ajouter du jus, jusqu’à avoir quelque chose de très très mouillé. Plus encore qu’avec de l’aquarelle.

Tu peux en rajouter en toute confiance, si tes surfaces humides sont bien délimitées. Ainsi, le jus « n’en débordera pas », de la même façon que l’on procède avec toute encre ou aquarelle.

De préférence aussi, cela implique d‘alterner la réalisation des pétales : le 1, le 3, le 5 en même temps, puis les 2 et 4 (c’est plus clair avec la vidéo, disponible ci-dessus).

Comment maîtriser la place de la couleur et son intensité ?

Pour maîtriser le placement de ta couleur, tu remarqueras en expérimentant que lorsque que tu détaches ton pinceau de ta page, les pigments « s’agglomèrent » en cet endroit. Tire profit de cette propriété, et détache ton pinceau là où tu souhaites que ta couleur reste !

Pour maîtriser l’intensité de ta couleur, il faut te souvenir d’une chose :

• Plus ton papier est humide, voire mouillé, plus les coups de pinceaux, mais aussi les contours que tu dessines seront flous.
• Plus ton papier est sec, plus ce que tu dessines restera précis.

On commence donc, pour notre encrage, à placer les couleurs, les dégradés, et différentes de nuances floues. Ensuite, on place progressivement ce qui doit être précis, en attendant, si besoin, que la.les première.s couche.s soi.ent sèche.s !

Ainsi, à toi de jouer, entre les deux états extrêmes mouillé et sec, pour dessiner aussi précisément que tu le souhaites : un dégradé se fera aisément papier mouillé, un détail sera dessiné une fois ta première couche d’encre séchée.

Pour réaliser le bocal et les tiges à l’aquarelle, tu peux suivre les mêmes principes, en parallèle de ce que tu réalises pour les pétales.
Tout de même, un conseil : peins tes tiges avant ton bocal, car le léger lavis bleu du bocal va te permettre de les sentir dans le bocal : en effet, le verre (matière) est devant elles !

Conclusion

Te voici armé.e pour préserver ta bulle de sérénité ! Je suis ravie d’avoir partagé cela avec toi. Si tu es intéressé.e par ma formation gratuite de dessin, il te suffit de remplir le formulaire ci-dessous :

Aujourd’hui, je décide de dessiner une orchidée pour ma voisine. Je réalise ainsi une carte pour elle, pour un événement particulier de sa vie.

Pour cela, je n’ai pas beaucoup de temps, et je dois faire un effet « boeuf ». J’opte donc pour l’encre de Chine, qui va me permettre d’avoir un dessin très précis et très net !

Cette orchidée est l’occasion pour moi de te montrer quelques astuces de ce medium magnifique, que l’on peut utiliser pour donner de l’intensité, du contraste, et donc du volume à tous nos dessins !

Comment bien choisir sa plume ?

Il existe différents types de plumes. Plus ou moins souples, et plus moins larges, avec pointe fine ou tronquée.

A toi de savoir ce que tu souhaites en faire :

• Si tu souhaites calligraphier, prends une plume large, qui te permettra de créer les épaisseurs variées de traits souhaitées, tout en restant calibrées. Tes lettres seront ainsi très régulières.
• Si tu souhaites dessiner, prends une plume souple, à la pointe fine, qui te permettra de varier très vite les épaisseurs de trait.

Plus ta plume est souple, plus elle te permettra de dessiner facilement en « reculant », c’est-à-dire de droite à gauche pour un droitier, et vice-versa pour un gaucher.

Comment tremper sa plume dans l’encrier ?

Cela vaut le coup de s’attarder sur le trempage dans l’encrier. En effet, c’est à cette étape que l’on va pouvoir éviter la coulure inopportune sur le papier ! Celle qui fait peur à tous…

Il faut pour cela tremper la plume jusqu’à son réservoir :
Son petit trou, si elle en a un. Si elle n’a pas de réservoir, trempe-la jusqu’à au moins dépasser le triangle de la pointe.

Enfin, lorsque tu sors ta plume de l’encrier, prends le temps de poser et reculer la pointe de ta plume sur le bord de l’encrier, afin que l’encre soit répartie de manière homogène sur l’arrière de la plume.

Quelle autonomie peut-on avoir avec sa plume ?

L’autonomie ainsi créée va être décuplée ! Le réservoir va libérer l’encre au fur et à mesure. Tu peux avoir 5 minutes d’autonomie ! De quoi dessiner la moitié de mon orchidée, dans la vidéo ci-dessous.

Comment varier les épaisseurs de trait ?

Varier les épaisseurs de traits va donner de la vie et des ombres à ton dessin. Tout d’abord, tu peux le faire en appuyant sur ta plume, la pointe va alors s’élargir. Attention à doser ta force pour ne pas la casser !

Si tu trouves que ton trait n’est encore pas assez épais, change de plume, et opte pour une pointe plus large !

Comment faire comprendre les superpositions de plans ?

C’est le bonus de cet article : l’orchidée a en effet la particularité de faire des fleurs dos à dos. Sur un dessin, cela veut dire qu’elles se superposent.

Afin de faire comprendre que certaines fleurs sont à l’arrière, dos à nous, commence par dessiner les fleurs devant, celles qui sont face à nous. Tu peux ensuite dessiner les fleurs à l’arrière, celles qui sont dos à nous, et faciliter la lecture de ton dessin en interrompant les traits du contour de la fleur arrière juste avant la fleur qui est devant.

Tu souhaites aller plus loin, et savoir dessiner ce que tu veux quand tu le souhaites ? Si tu es motivé.e, je t’offre une petite formation : 5 cours en vidéo, qui viennent dans ta messagerie email tous les 2 jours !

Bonjour à toi !

Aujourd’hui, voici une vidéo « de coulisses » !
Je te présente une amie et collègue de longue date Cécile Mairet, tapissier-garnisseur depuis 20 ans, et formatrice de ce métier, en ligne et en présentiel, sous le nom « Mon Bo Fauteuil » !

Notre rencontre

Même si nous n’avons jamais travaillé ensemble sur un travail de collaboration à proprement parler, elle est pour moi une « collègue », et ce depuis 10 ans !
En effet, artisans d’art toutes les deux, nous nous sommes souvent vues de près, de loin, au sein d’expo-ventes ou de nos fédérations de Métiers d’Art. Cela veut dire des discussions interminables en exposition, en attendant patiemment le chaland, ou discussions volées lors de réunions de comité, de mises en place d’expos… Bref on a toujours su, pendant cette dernière décennie, les informations importantes de nos vies respectives : nos galères, nos bonheurs, nos élans et nos réussites.

Qui est Cécile ?

Quel est donc le chemin passionnant qu’a pris Cécile ?
Qu’est-ce qui la motive ?
Quels sont ses objectifs, quelle est la mission qu’elle s’est donnée ?

Autant de questions que nous n’avons jamais eu l’occasion de creuser, bien que nous savons que nous avons des points communs. En effet, nous n’avons jamais pris le temps de se parler complètement ouvertement de ce que nous disent nos petites voix au fond de nous-mêmes, trop occupées à satisfaire les attentes des personnes autour de nous.

Qu’est-ce que tu souhaites apporter à tes élèves ?
Pourquoi transmets-tu ton métier ?
Qu’est-ce que cela t’apporte en retour ?

Des questions qui sont passionnantes, et qui se posent, tu en conviendras, en lieu calme et avec du temps devant soi.

Une transmission qui nous est propre.

Cette interview s’est imposée lors d’une fois où nous nous sommes revues, car nous avons non seulement compris, mais aussi acquis et intégré, que nous transmettons toutes les deux notre savoir-faire, et ce avec le même degré d’envie, d’exigence et de bienveillance. Il nous a donc paru évident que l’on pouvait te permettre de mieux nous connaître.

C’est alors que, pour célébrer nos chemins parallèles de tapissier-garnisseur et de graveur ornemaniste – artisans d’art qui veulent transmettre ! – nous avons décidé de nous interviewer mutuellement.

Tu vas ainsi découvrir dans cette vidéo Cécile, formatrice en tapisserie en siège, artisan tapissier depuis 20 ans, qui enseigne en ligne ! Elle nous parle de valeurs, de liberté, de choix, de transmission, d’élèves, de joie et, surtout, elle t’explique comment elle a pris le chemin de la transmission, en tant qu’artisan d’art.

Intéressé.e par ma formation gratuite de dessin ?
Reçois 5 cours vidéo par email, tous les 2 jours !

Voici le deuxième volet de la vidéo précédente ! Chose promise, chose due. Après avoir découvert comment remplir ses godets avec de l’aquarelle en tube, nous voici en train de prendre connaissance des couleurs qui forment maintenant ma palette.

Petite note : je travaille ici avec des aquarelles Isaro, Sennelier et Windsor&Newton.

Crée ta grille de nuancier

Tout d’abord, prends connaissance du nombre exact de couleurs que tu as, et crée une grille avec autant de couleurs. Par exemple, avec 27 couleurs, il te faut une grille de 27 x 27 cases. Ces cases peuvent être plus ou moins grandes, mais donne-toi 1 cm de côté minimum. Pour ma part, j’ai mis entre mes cases 2 mm d’espacement, afin de pouvoir bien séparer les couleurs.

Tu peux tracer cette grille au crayon puis la gommer une fois l’aquarelle peinte et sèche, comme moi.

Si, toutefois, tu n’en ressens pas le besoin, tu peux t’en affranchir, surtout si tu n’as pas beaucoup de couleurs et de grandes cases, en réalisant simplement deux lignes : une en haut et une sur le côté de ta page. Ensuite, à toi de voir juste, et de retrouver tes couleurs ! Pour ma part, il me semble qu’à partir de 15 couleurs, il faut avoir un peu plus de rigueur.

Les deux lignes dont je te parle sont importantes, pour écrire sur le côté les références et les noms des aquarelles. Mais dans quel ordre les mettre ?

Tu as certainement déposé tes couleurs dans ta palette selon un certain ordre. Suis-le, tout simplement, pour ton nuancier. Si ton nuancier est dans le même ordre que ta palette, il te sera facile de retrouver tes couleurs.

Si tu ne connais pas encore tes aquarelles, prends le temps de les déposer sur le papier, puis de vérifier le dégradé que tu as pu faire dans ta palette. S’il ne te plaît pas, profites-en pour modifier ta disposition !

Je trouve personnellement plus facile de retrouver une couleur précise si les godets sont en dégradé dans ta palette, comme un arc-en-ciel. Cela ne coûte pas grand-chose, mais m’apporte beaucoup de sérénité.

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Une fois ton ordre choisi, note les références de tes couleurs (nom et numéro) sur le côté. Ce sera important pour, d’une part, ne pas tout mélanger, et, d’autre part, retenir les noms des couleurs. Tu pourras ainsi reconnaître le bleu de céruleum par rapport au bleu indantrène, maintenant ! Génial !

Aquareller ton nuancier

Ca y est ! On peint !

Attention ! Rigueur s’il vous plaît ! 🥳 On dépose la couleur pure du godet sur la diagonale. Là où la référence X34 croise la référence…X34. Oui, c’est bien la même couleur, donc il s’agit de la couleur pure. Ensuite, le même exercice est requis pour tout le tableau.

A toi de trouver un juste milieu entre tes deux couleurs, que tu n’aies pas trop de l’une par rapport à l’autre, mais vraiment un entre-deux.

Oui mais…

Oui. Tu l’auras remarqué, la référence X34 ne croise qu’une fois la référence X34, mais par contre elle croise deux fois toutes les autres.

C’est pour cela que, plutôt que d’avoir un nuancier en triangle, ou un nuancier qui dit deux fois la même chose, je te conseille de déposer les mélanges pigmentés sur la partie au-dessus de la diagonale de couleurs « godets », et de les diluer sur la partie du dessous. Ainsi, cela évite de voir deux fois la même couleur, et permet de voir comment les mélanges réagissent à l’eau.

Pour plus de clarté sur le nuancier d’aquarelles, je te propose de visionner ma vidéo : tu verras ainsi comment je fais concrètement, pour diluer, et mélanger.

Comment lire ton nuancier ?

Un nuancier, c’est long, et d’autant plus que tu as de couleurs ! Cependant, ce qu’il faut que tu retiennes, c’est que cet exercice te permet :

De prendre connaissance de tes couleurs.

Celles qui resterons claires, celles qui l’emportent vite sur les autres, celles qui restent plus ou moins après dilution.

Et surtout : quelle couleur donne ce godet ? 😃 Lis la diagonale. Plus encore : quelleS couleurS donne ce godet ? Lis les lignes !

D’avoir de jolies surprises !

En me disciplinant à faire des mélanges obscurs, je ne pensais pas que mon gris avec l’orange de pyrrole donnerait une si jolie couleur !

De composer ta palette de voyage

En conservant ces jolies surprises sur le papier, tu peux ainsi composer ta palette de voyage. Quelles aquarelles je prends, si je prends ma petite palette de 12 godets, pour avoir les couleurs qui correspondent à la saison où je pars, et aux sujets que je vais trouver sur-place ? Par exemple :

• évite les verts d’eau au Cap roux,

• préfère les couleurs d’automne si tu voyages en cette saison

• prend la palette « pierre » si tu dessines des bâtiments

De voir les similitudes de couleurs

Tu le vois, les deux bleus clairs que je pointe sont vraiment très similaires. Ils t’aideront donc, eux aussi, à choisir tes godets d’aquarelle. Prends la ligne de couleur que tu préfères, entre les deux, et surtout, n’en prends qu’un des deux en voyage !

Tu veux voir ma vidéo sur le sujet ? Elle est juste là, pour voir comment mélanger, et comment diluer. Car en mots, c’est un peu compliqué…

Conclusion

Ton nuancier est à garder près de toi. Tu peux en refaire lorsque tu pars en voyage, pour te souvenir des couleurs que tu as prises, et être ainsi plus efficace dans la prise de connaissance de tes aquarelles.

Car, en effet, c’est bien de cela qu’il s’agit : prendre connaissance, et retenir, les couleurs que tu as. Si tu peux me dire en quoi le rouge de pyrrole est différent du rouge Scarlett, alors tu as tout bon !

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